01 set 2020 Publicado en: blog Institucional
NOS TRANSFORMAMOS EN GALERÍA DE ARTE

Espacio Arocena se transforma en galería de arte por un día, para el lanzamiento oficial de nuestro proyecto "Magma Art Edition".  

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MAGMA ART EDITIONS es una exclusiva serie de obras de arte creadas por reconocidos artistas contemporáneos Uruguayos. Patricia Bentancur, Rita Fischer, Fernando López Lage, Pablo Uribe y Fernando Velázquez, nos acompañan en este compromiso de difusión del arte contemporáneo uruguayo.

El proyecto creado en colaboración con el curador Martín Craciun presenta cinco obras memorables de cada uno de los artistas. La particularidad de esta propuesta es que cada artista produjo una edición única de 30 unidades; estas obras están seriadas y firmadas por el autor. Todas las obras son acompañadas por un certificado firmado por el autor.


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Impresión digital sobre papel Hahnemühle PhotoRag 300 gr y dibujo con tinta de oro

Edición de 30 + 4 pruebas de artista

50 x 70 cm

S/T (Kintsukuroi)

Kintsugi, en japonés es la práctica de reparar fracturas de la cerámica con barniz o resina espolvoreada con oro que se remonta a finales del siglo XV. Las roturas y reparaciones forman parte de la historia de un objeto, de un individuo y de una cultura.

Este es el sentido que tienen muchos de los trabajos, donde líneas o superficies de oro se suceden en un infinito ejercicio de resiliencia.

PATRICIA BENTANCUR (Montevideo, 1963) 

www.artist.patriciabentancur.com

Patricia Bentancur es curadora e investigadora en arte iberoamericano. Dirige el Departamento de Arte y Nuevos Medios en el Centro Cultural de España (CCE) en Montevideo, donde reside. Ha curado más de 200 exposiciones en diferentes museos, centros culturales y bienales en Europa y América Latina. Su vasta carrera incluye la curación de Global Myopia / Marco Maggi para la Bienal de Venecia de 2015 y Critical Landscapes / Bessio - Burgos - Uribe para la Bienal de Venecia de 2009, así como la co-curación de la 1ª Bienal Internacional de Montevideo _ El Gran Sur (2012 ), y asesoría en el proceso de selección y curaduría de la representación de Uruguay en la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2007 y 2016. 



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Impresión digital sobre papel Hahnemühle PhotoRag 300 gr
Edición de 30 + 4 pruebas de artista
50 x 70 cm
A/P 1/30 Miseria de la Filosofía

La tradición inspirada en la cultura del libro, en la Ilustración y en la revolución francesa, base epistémica de lo occidental y colonial; actualmente se muestran como una utopía ingenua.  

El humanismo tradicional fue establecido sobre la base de una república de las letras, en el fundamento griego, romano, luego en el renacentista para expandirse en la modernidad junto a la revolución de la imprenta.

Estas imágenes de tapas de libros (que ilustran los fundamentos del humanismo como dispositivo de la modernidad) son intervenidas para generar un anarchivo singular. Desde una primera experiencia aurática con el libro, durante la selección, surge la idea de subvertir el mundo de las palabras. 

La acción de desnaturalizar el contenido de los libros, su narrativa e impronta semántica, está vehiculizada por la pintura. Borrar con pintura los textos de las tapas es una forma de desautorizar los enunciados, desnaturalizar las palabras para potenciar la imagen de la pintura. Por un lado, la pintura como imagen deconstruye la tradición hegemónica de la pintura, ya que se aísla de la invención y se adapta al diseño de archivo original para luego ser impreso nuevamente. Por otro, el acto pictórico sobre la imagen impresa de las tapas de los libros visibiliza la discusión sobre original y copia, el autor, la cita y la nota al pie. La pintura como género está en un segundo plano, o transfigurada en imagen reproducida. 

Queda expuesta la relación intertextual e intersemántica con autores universales, en este caso uno de los humanistas del siglo XX, Karl Marx. El proceso implica varias etapas: un anarchivo, un impreso, una pintura, y finalmente un impreso de esa pintura que es prueba de artista. Esta tiene un tiraje de 30 ejemplares y cada uno de ellos tiene el mismo valor. A/P 1/30, cada una de ellas. Todas originales, todas copias, todas utopías ingenuas.  Fernando López Lage, noviembre 2019.


Fernando López Lage (Montevideo, 1964)
www.colectivofac.com/artistas/lopezlage/

 Artista y director de la Fundación de Arte Contemporáneo (fac) donde desarrolla el Programa de formación permanente.

Desde 1987 participa en muestras individuales y colectivas en Uruguay y el exterior. Entre las individuales se destacan: El color Pharmakon, Galería del Paseo, Maldonado, 2017, Obra reciente, Museo Nacional de Artes Visuales Sala 5, 2014. Galería del Paseo, Manantiales, Maldonado, 2013. Pinturas recientes, SOA Galería, Montevideo, 2012. Boomerang, Alianza Francesa de Montevideo, 2009. Artista en comisión del Centro Cultural de España para elaborar un proyecto de la fachada del edificio e intervención edilicia para el piso de la mediateca, Montevideo, 2005. Barras paralelas, Centro Municipal de Exposiciones Subte, Montevideo, 2001. Biblia pauperum, Colección Engelman Ost, Montevideo, 1997. La venganza del hombre tóxico, Alianza Cultural Uruguay-Estados Unidos, Montevideo, 1997. Circus, Linda Moore Gallery, San Diego, Estados Unidos, 1994. Mia Gallery, Seatlle, Estados Unidos, 1991. Linda Moore Gallery, San Diego, Estados Unidos, 1991. Costuras del corazón, Centro de Exposiciones de la Intendencia Municipal de Montevideo, 1990. 

Entre las exposiciones colectivas: Precaria, Espacio de Arte Contemporáneo (Fatmi, Allys, Velazco López Lage). Bienal de Montevideo, Travesías atlánticas, SODRE. New visions, Couturier Gallery, Los Ángeles, Estados Unidos, 2012. Estructuras Pos primarias, Centro Municipal de Exposiciones Subte, Montevideo, 2017, Abstracción, Galería Xippas Montevideo, 2015, Identidad y Banalidad, Centro Cultural de España, Montevideo, 2000. Participa en ferias internacionales de arte con Linda Moore Gallery y Galería del Paseo: Los Ángeles, Chicago, ArteBA Argentina, Parc, Lima, Perú, Arco, Madrid, España. 

En Uruguay, recibió numerosos premios en concursos de arte. En 1996 obtiene la Mid American Art Alliance y la Usia (New York, Los Angeles, New Orleans, Chicago, San Francisco, Texas, Washington, México). Residencia de artista en la Universidad de Texas, donde expone en el Fox Fine Art (El Paso, Texas, Estados Unidos). En1995 beca Studio Camnitzer en Lucca, Italia Es invitado por la Asociación Internacional de Críticos de Arte para integrar el envío a la Bienal de Pintura de Cuenca, Ecuador, donde obtiene el premio Le Parc al mejor pintor latinoamericano menor de 35 años, en 1989. Es invitado a la Bienal de La Habana en 1992 y nuevamente, a la Bienal de Pintura de Cuenca, Ecuador, por el comité organizador, en 1994. En 2007 participa en la Bienal del Mercosur, «Conversas». Bienal de Montevideo, 2019, SODRE. Premio FFCC 2014 del MEC.

Obtuvo el fondo FEFCA en 2017, a la creación artística y publica con Edita Estuario, El color Pharmakon, una mirada desde la práctica artística.

Director de la revista ARTE: desde 2001 hasta el 2009.

Docente en la Tecnicatura en Gestión Cultural de la Fundación Itaú.

Fue jurado en la categoría Artes Visuales de los Fondos Concursables del MEC, en 2011 y 2018; Fondos de Incentivo del MEC 2015 y 2018.

Es director de la revista digital HUGO.Entre sus curadurías se destacan: CP 2003, de Clemente Padín, en el Centro Municipal de Exposiciones Subte; Vislumbres, de Marcelo Brodsky, en la Fundación de Arte Contemporáneo; Invisible I, II, III y IV, en el Centro Cultural de España, Montevideo; Colección Engelman Ost; Molino de Pérez y Centro Cultural de España, Lima, Perú, Premio Figari 2014, Margaret Whyte. Coeditor de Magazine in situ, edición 3; Caballo de Troya, de Carlos Barea, en el Museo Nacional de Artes Visuales. 



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PAX IN LUCEM

Serigrafía (5 tintas) sobre papel Hahnemühle 1584, 300 gr 

Edición de 30 + 4 pruebas de artista

56 x 76 cm

La edición en papel de PAX IN LUCEM surge como un desdoblamiento de la instalación del mismo nombre, también realizada por Uribe en la caja de escaleras del Museo Nacional de Artes Visuales en 2018, que refiere al desaparecido mural PAX IN LUCEM de Joaquín Torres García. Así como un ejercicio de traducción espacial y cita artística, las formales resultantes en el papel obedecen a la planimetría de la anterior instalación, ambas realizadas con los mismo colores que el referido mural (desaparecido). Un desdoblamiento espacial seguido de su correspondiente reducción al plano; del cuadro al espacio y del espacio al papel. 

PABLO URIBE (Montevideo, 1962)
www.pablouribe.net

Vive y trabaja en Uruguay.

Estudió arquitectura en la Universidad de la República y artes visuales con Guillermo Fernández. Participó de diversos talleres, entre los que se destacan: Intervenciones urbanas, dirigido por Antoni Muntadas; Teoría de la imagen, a cargo de Vincent Delpeux; Taller de video, dictado por Marcel Odenbach; y de la clínica Informe de campo, a cargo de Justo Pastor Mellado.

Ha realizado catorce exposiciones individuales y participado en más de cincuenta muestras colectivas en Uruguay, Perú, Brasil, Argentina, México, Suecia, Venezuela, Italia, Francia, Alemania y Estados Unidos.

Representó a Uruguay en varias oportunidades, entre las que se destacan: 53º Bienal de Venecia, Italia; Afuera! Arte en Espacios Públicos, Córdoba, Argentina; II y IV Bienal del Mercosur, Porto Alegre, Brasil; Bienal de Grabado de Buenos Aires, Argentina; VII Bienal de La Habana, Cuba; Bienal Internacional de Estandartes, México; V Bienal Vento Sul, Curitiba, Brasil.

En el año 2001 el Ministerio de Educación y Cultura le otorgó el Gran Premio Nacional de Artes Visuales por el tríptico Prueba de cielo.

Fue invitado al II Festival de Arte Multimedia en Belfort, Francia; al Intermodem Intermedia Festival en el Modem Art Centre, Debrecen, Hungría; a la residencia del Latin American Roaming Art (LARA) en Colombia, y recientemente al 33º Panorama da Arte Brasileira en el Museo de Arte Moderno de San Pablo, Brasil.



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SIN TÍTULO

Serigrafía (9 tintas) sobre papel Prestige 300 gr
Edición de 30 + 4 pruebas de artista
56 x 76 cm

En estos paisajes, algo nos es familiar y cercano, nos seduce, pero si intentamos seguir con nuestra mirada alguno de sus elementos, líneas, ramas o materias, todo se mezcla resultando en un híbrido que nos hace perder nuestras referencias, provocando sensaciones de pérdida o alienación.   

RITA FISCHER (Young, Río Negro, 1972)
www.ritafischer.org

Vivó y trabajó  en Paris y Berlin entre los años 2000 y 2012, actualmente vive en Montevideo. Su práctica artística se vincula con la pérdida de marcos referenciales, la incertidumbre y la alienación, mediante la pintura y la pintura en el espacio. Entre sus exposiciones se destacan: “Sharing the Beauty” en el Museo China Millennium Monument en Pekín 2017. “NOVUS” Espacio de Arte Contemporáneo, 2017. “RDV”, a la Galería Soa, Montevideo, 2014. “Ningún Lugar” en la Torre Heart, NYC, 2014.  “Ningún Lugar”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo 2013.“Deriva” Galería Jeune Création, en París,en el año 2009. “Horizonte” en el marco del proyecto “Bola de Nieve”, Ministerio de Educación y Cultura de Montevideo (MEC), 2008. “Caza curioso” en la galería Vasari, Buenos Aires 2006.“Red” en la galería “La Serre” de la Escuela Nacional de Bellas Artes de Saint Etienne, Francia, 2001.

Expone en bienales internacionales: la 2da. Bienal de Montevideo “500 años de futuro”en el año 2014, y representa al Uruguay en la  a la Segunda Bienal del Mercosur en Porto Alegre, Brasil en el año 1999. 

Obtiene premios en Uruguay y en el exterior algunos de ellos son: La Beca FEFCA Fondo de Estímulo a la Formación y Creación Artística en el año 2012 en Uruguay. “Premio Salón Montrouge” en el año 2005 en Francia. Premio “Paul Cezzanne”, en el año 2000 en Uruguay. “Premio Internacional Mercosur en arte-BA” en Buenos Aires en el año 2000. “Premio United Airlines” en el Museo de Arte Americano de Maldonado, en el año 1999. “Premio Banco Hipotecario”,en el  Montevideo, en el año 1998.




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Impresión digital sobre papel de algodón Hahnemühle PhotoRag 300 gr
Edición de 30 + 4 pruebas de artista
50 x 70 cm
ORI 7

"Ori" es una serie donde investigo la relación entre las imágenes algorítmicas y la espiritualidad. En la cultura Yoruba, "Ori" significa literalmente "cabeza", al mismo tiempo que como concepto se relaciona con el destino, con la mente, y la inteligencia. Walter Benjamin delata la pérdida del aura en el arte en relación a la reproducibilidad técnica de las imágenes. En un tiempo histórico de extrema saturación de la imagen, "Ori" es un intento de driblar la asepsia de lo digital, una propuesta iconográfica laberíntica: el significado está en la imagen o en nuestra cabeza?

FERNANDO VELÁZQUEZ (Montevideo, 1970)
www.blogart.com

Fernando Velázquez es artista multimedios y curador. Sus producción incluye videos, instalaciones y objetos interactivos, performances audiovisuales e imágenes generadas por ordenador. Desde la transdisciplinariedad investiga el entorno naturaleza/cultura, la percepción y la mediación de la realidad por dispositivos tecnológicos. Tiene un MA en Moda, Arte y Cultura (Senac-SP, Brasil, 2007) y pos graduación en "Video y Tecnologías on y off line" (Mecad-BCN, España, 2007) y "Gestión Cultural Contemporânea" (Itaú Cultural/Singularidades-SP, Brasil, 2019). Ha presentado su obra en más de 30 países donde se destaca: The Matter of Photography in the Americas (Cantor Arts Center, Universidad de Stanford, EUA, 2018), Emoción Art.ficial Bienal de Arte y Tecnología (Itaú Cultural, São Paulo, Brasil, 2012), Ciberfest (San Petersburgo, Rusia, 2012), Mapping Festival (Ginebra, Suiza, 2011), WRO Biennale (Wroclaw, Polonia, 2011), Bienal del Mercosur (Porto Alegre, 2009) y el Pocket Film Festival (Centre Pompidou, Paris, Francia, 2007). Ha obtenido distinciones como los Fondos Concursables para la Cultura (Uruguay, 2019), el Premio Sergio Motta de Arte y Tecnología (Brasil, 2009), Vida Artificial (España, 2008), 2008 Culturas (España, 2008), Medios Locativos Art.mov (Brasil 2008). Fue curador de proyectos como: Periscopio (Galeria Zipper, San Pablo, 2016), Adrenalina (Red Bull Station, San Pablo, Brasil, 2015) y Festival Motomix (San Pablo, Brasil, 2007). Como profesor dictó cátedra en universidades como PUC, FAAP y Senac, en San Pablo. Participó de conferencias y seminarios en diversos países, entre las que se destacan las ministradas en la Stony Brook University (New York, EUA, 2015), Visiones Sonoras (Morelia, México, 2014), Boulder Museum of Contemporary Art (Boulder, EUA, 2012), MediaStruch (Sabadell, España, 2011), eMobilart  (Tesalónica, Grecia), entre otros. Entre 2015 y 2018 fue el curador y director artístico de Red Bull Station en San Pablo y es representado pela Galeria Zipper en San Pablo.

Presentadas ya las obras, queremos mostrarles un poco más sobre lo que fue la exhibición de las mismas el pasado sábado, en nuestro local de Arocena. Fue sin dudas una instancia particular, ya que por primera vez se vació por completo el local para transformarse en galería de arte. A lo largo de todo el día fueron llegando los invitados ( por supuesto siguiendo el protocolo sanitario sugerido por el ministerio) , y descubriendo poco a poco esta nueva propuesta.

Como marca nos apasiona esta asociación, el poder compartir un proyecto que difunde el arte en un contexto poco habitual, una asociación enriquecedora que acerca dos mundos, unidos ya por una base común. Asi que si sos tan amante del arte como nosotros, te invitamos a descubrir un poco más sobre lo que fue el lanzamiento de MAGMA ART EDITION.

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